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Voilà 10 ans que j'ai cette collection.

J'ai commencé lors
de ma deuxième année universitaire.

En été, j'ai eu envie de retrouver
mes jouets de la guerre des étoiles.

C'est juste le début.

Le potentiel était énorme.

Je m'inspirais directement des gens.

Vous voulez fabriquer un jouet ?
Allez-y.

Les ventes augmentent chaque trimestre.

200 000 dollars...

C'est très excitant.

Est-ce un jouet ou une sculpture ?

C'est du pop art ou de l'art public ?

On limite le tirage encore et encore...

Toujours plus de design...

C'est fonctionnel, ça joue,
ça fait des choses

et c'est unique...

Et tout d'un coup, boum !

Au début,
on était un groupe de copains.

"Tiens, ce serait génial
de transformer ça en jouet..."

Et puis, vlan !

Le premier jouet,
qu'on a créé c'était Money Mark,

Un membre du groupe
Beastie Boys.

Ensuite, nous avons conçu Unkle.
Pour le premier album, Psyence Fiction.

A partir des personnages de Futura,

conçus pour l'illustration de la pochette.

Les premiers Unkle se cassaient,
ils ne fonctionnaient pas...

Mais, c'était intéressant,

on était des gosses
en train de créer quelque chose.

Ils ont souvent débuté avec des graffiti,
puis dessiné des personnages,

qui se sont ensuite transformés en toys.

Futura est l'exemple le plus flagrant,
avec la création de Point Man.

On le reconnaît immédiatement
à sa silhouette.

La signature Futura

est très reconnaissable.

Nous, Bathing Ape, Silas,
Bounty Hunter, avons été les premiers

à produire ces jouets en vinyle souple,

en partant
de nos différentes sociétés.

Une société, Bounty Hunter

a été pratiquement la première boutique

à se positionner comme une entreprise.

De toutes les petites structures
que j'ai vues, Bounty Hunter

était la première à fabriquer
ses propres personnages en vinyle,

Pour une petite boutique,
je n'avais vu ça que chez eux,

et peut-être, chez Bathing Ape,
un ou deux modèles au Japon.

Silas, une entreprise
de prêt-à-porter,

a développé

une ligne de jouets
créés par James Jarvis.

Moi et Russel,
en tant que créateurs,

de jouets en vinyle souple,
avons été les pionniers du mouvement

en dehors du Japon.

Le concept de Silas
est assez difficile à expliquer.

Il y a un côté skateboard, système D,

mais avec des vêtements de qualité

et mieux conçus
que la plupart de l'époque.

J'ai rencontré Russel et Sophie,
qui créaient Silas

en travaillant au Slam City Skates.

C'était dans les années 90.

Le premier jouet que j'ai créé,
c'est Martin, en 1997.

Il est sorti en 1998.

Pendant qu'ils dirigeaient l'entreprise,
Je faisais le boulot graphique.

Et, parce que je faisais ce boulot,
ils ont vu tous mes personnages dessinés.

Quand l'occasion s'est présentée
de faire un toy,

ils m'ont demandé si je voulais le faire.
Car je faisais le travail qui convenait,

immédiatement, pour créer un toy.

Pendant ce temps,
dans les années 90,

Bounty Hunter, au Japon,
puis nous-mêmes,

nous avons réalisé

qu'avec une certaine somme d'argent,
moins qu'on ne le pense,

on pouvait en produire
en quantité industrielle.

Personne ne connaît l'histoire,
parce que personne n'y était.

Pour être tout à fait honnête,

j'ai lu de nombreux livres et plein
d'articles sur le phénomène des toys.

Mais, rien de clair.

Ils ne savent rien, ils ne me connaissent pas,
ni James Lavelle.

Ce que je trouve tout à fait normal.

Mais ils ne connaissent même pas
Bounty Hunter. Et ça, c'est inacceptable.

Il n'y avait ni Kidrobot, ni 360 Toys,

ni Michael Lau, ni Eric So, rien !

Et tout d'un coup, l'explosion !
C'était parti.

Voici un Kubrick.
Imaginez ma surprise,

lorsque j'ai été contacté par Medicom.

Pour moi, ces jouets
représentent plus des univers

comme Star Wars, ou des héros japonais
comme Kamen Rider

et Ultraman.

Lorsque Medicom m'a contacté
pour la première fois,

Tokyo Tribes n'était pas connu,

c'était un manga underground.

J'en étais qu'au début.

J'étais fier car j'adore les jouets.

Et c'est vraiment passionnant.

C'était à New York,

dans un magasin de jouets,
Zakka,

on avait entendu parler
de l'exposition "U-robots",

c'est la première fois
qu'on fabriquait un prototype de Kubrick.

Avec Medicom toy,
c'était notre premier jouet.

Ils étaient exposés à Zakka,

mais ce n'était pas encore vendable,

on ne savait pas
si on allait les commercialiser.

Les designers passaient
les personnages en 3d,

les dessinaient sur
des feuilles de papier

avant d'en fabriquer
une pièce originale.

On les envoyait au fabricant,

et le fabricant s'arrangeait
avec les prototypes et les usines.

Après avoir vérifié tout ça
une ou deux fois,

on a compris qu'on pouvait passer
à la commercialisation.

La différence entre un Bearbrick
et un Kubrick

était un défi pour moi,
parce que c'est un ours vedette.

Pour un Kubrick,
on peut changer la tête

ou d'autres parties du corps.

Le Bearbrick, lui, est peint.

Il est si mignon, si pop...

une icône de la sub-culture.

En 1997...

Je démarre

Vous ferez le montage après...

Moi et un ami

avons réfléchi à la conception

d'une couverture de CD.

Pensant que la peinture

et la photo

c'était du déjà vu.

On s'est dit :

"Pourquoi pas des figurines ?"

Un jour nous sommes allés

à une exposition sur
les espaces verts à Hong Kong.

C'était une première
pour Michael Lau.

Ça a eu un impact décisif,
comme une source d'inspiration.

On s'est dit :
"Nous aussi, on peut le faire !"

C'est comme cela
qu'on a lancé Gardener.

Autre chose
que j'apprécie chez lui,

c'est sa rapidité

et sa vivacité d'esprit.

Il y a des choses
que d'autres ne saisissent pas...

Je le regarde sans cesse.

A la sortie du CD,

le public a bien réagi.

C'était drôle.

En 1998-99,

avec la mode

de la "street culture",

du skateboard, du hip hop,

du graffiti...

On a décidé

de combiner tout ça

et d'en faire

une exposition.

Le style de Michael Lau
est vraiment unique.

Je pense que c'est un artiste.

Pas comme mes jouets,
il y donne son propre goût.

Le toy d'artiste vient juste d'arriver.

Et beaucoup ne font que
des figurines humaines,

des figurines de Hip Hop.

Ce n'est pas suffisant pour moi,
pour créer mon propre style.

Pour les bases
des figurines suivantes,

j'ai pris un grand singe.

Car il peut facilement
se comparer à l'humain.

Je peux en faire un spécial,

avec des éléments Hip Hop.

Chaque partie du monde
a son inspiration,

celle-ci, c'est pour
les Etats Unis.

Je m'appelle Lev,
propriétaire de Toy Tokyo, NY.

C'est bon ?

A Hong-Kong, j'ai rencontré
Michael Lau, Eric So...

beaucoup d'artistes,

et on a parlé de jouets
et de collections.

Michael Lau était à table,
dans un restaurant buffet.

Et nous avons parlé
de ce que nous faisons.

Et en gros,

il m'a offert un Crazy Children,

c'était Lam Dog.

J'en ai donc rapporté
en Amérique.

Beaucoup m'ont traité de fou.

Mais d'autres ne le pensaient pas.

Je ne suis pas fou,
je savais que c'était le futur.

Quand j'étais au Japon,
j'ai fait des expos à Tokyo.

Et je n'oublierai jamais ce personnage
qui ressemblait à Mickey,

et ses oreilles.

Et en 3 couleurs

pour les Compagnons.

Je ne savais pas leurs noms
à l'époque, mais ils étaient cool.

J'ai appris, qu'ils en
avaient à Hektik.

Hektik est une boutique à Tokyo,

une boutique underground.
Et c'était leurs premières figurines.

Et j'en ai toujours,
j'en ai ramené à New York.

J'en vendais à Toy Tokyo,

en 2001.

C'était pas très cher.

Et, je n'oublierai pas la fois où,
cette personne rentre dans la boutique,

il regardait la vitrine des figurines
d'Astro Boy.

J'ai demandé si je pouvais l'aider,

il a demandé si c'étaient
toutes les figurines que j'avais.

Et si je faisais des échanges.

Je lui ai dit que
j'en faisais tout le temps.

"- Toutes ces figurines contre

un set signé.

- Signé par qui ?

- Moi, leur créateur.

- Oui, pourquoi pas, votre nom ?

- Je m'appelle Koz.
- Enchanté"

Koz veut toujours dire pour moi,
haute qualité.

Chaque fois, que j'en vois un,
woah !

Et quand on en a un,
on voit que son travail est soigné.

Cela devient une pièce
dont on se rappelle.

D'autres toys arrivent et repartent,
et personne s'en souvient.

Mais, une figurine de Koz,
c'est une pièce de l'histoire.

Un style west coast
et un style east coast pour les toys ?

D'une certaine façon,
je pense que oui.

A cause des artistes west coast
et east coast,

il y a des gens comme Gary Baseman,
Tim Biskup, tous deux, west coast.

Sur la côte est, d'après mon expérience,
les inspirations sont plus hip hop.

Ici, c'est conçu
de manière légèrement différente,

comme Futura ou Koz...

Lorsque j'ai débuté,
je voyais une vraie différence.

On pouvait regarder un jouet,
et savoir précisément d'où il venait,

d'après le style.

Maintenant, on dirait que
tout le monde s'est mélangé,

les gens ont bougé,

ils observent le travail des autres,

sans percevoir vraiment

le style propre à une région spécifique.

Il y a un style bien distinct
lorsqu'on y regarde de près !

Il n'y a plus que
des jouets haut de gamme.

Sur la côte ouest,
il y a toutes sortes de mélanges,

du cher, beaucoup de bon marché,
du moyennement cher.

Et les toys east coast sont plus exclusifs,

difficiles à se procurer.

C'est en édition limitée,
très recherchée.

Les deux sont superbes,
le style est différent.

Il y a bien une différence.
C'est une bonne question,

c'est la rivalité east coast / west coast.

Y a-t-il un style Los Angeles ?
Possible.

Si ça ne vous dérange pas,
je vais m'occuper de mon Chou-Chou.

Ici vous avez Tim Bisckup, Marc Ryden,
les Clayton Brothers, Camille Rose Garcia...

Vous avez Chack, Shepard.

Qui vous voulez...

Des artistes plus jeunes comme
Thomas Hong, Joe Ledbetter...

Ils sont tous ici,

ils se retrouvent tous.

D'une certaine manière, à L.A.,
je ne sais pas pourquoi,

tout converge en ce moment,
tout se passe ici.

J'ai des amis musiciens,
dans la mode, des écrivains,

des artistes, des fabricants de jouets...

Nous sommes presque tous à Los Angeles.

Oui, la plupart de mes amis ont grandi
en regardant des dessins animés,

et ont été influencés par
Bugs Bunny et compagnie.

Disneyland était juste à côté...

Les gens que je connais qui sont de L.A.,
allaient tout le temps à Disneyland,

ou en tout cas assez souvent
pour que ça influence leur design.

Je suis né et j'ai été élevé

à Hollywood, Los Angeles.

J'étais très gâté.

J'allais à Disneyland tous les ans,
c'était mon plus grand plaisir.

Mes parents viennent d'Europe
de l'Est, de Pologne.

Ils sont arrivés après
la Deuxième Guerre mondiale,

et sont, ce qu'on pourrait
appeler, des survivants.

En arrivant en Amérique,
ils m'ont inculqué le rêve américain.

Pour moi, le rêve américain,
c'était Mickey Mouse,

Félix le Chat...

On était tous fans de Disney.
On a grandi dans le sud de la Californie,

Disneyland était une attraction majeure ici.

Quand on passe un peu de temps
en Californie, on va à Disneyland.

On est amateur de bandes dessinées,

on peut avoir fréquenté un studio d'animation,
et avoir touché à la publicité...

Je ne sais pas, peut-être
que ça fait partie d'un tout.

Il y a aussi l'influence de ce
qu'ils ont pu produire avant,

avec des animateurs,
quand ils débutaient comme illustrateurs.

Quand j'étais petit,
dans "Alice au Pays des Merveilles",

c'était un des personnages
les plus chouettes du film,

et comme il a ce côté caméléon,
qui disparaît et fait plein de choses.

Nous trouvions que c'était le personnage
idéal à faire varier dans tous les sens.

On peut l'imaginer faire ce genre de choses
en tant que Cheshire Cat.

Les concurrents ne vont pas s'amuser
à créer un Cheshire punk rock,

ni lui coller un symbole anarchiste,

car ils font des jouets Disney
plus classiques.

Je conçois le Cheshire Cat comme
le représentant d'un mouvement culturel.

Prenez quelqu'un
comme Shepard Fairey,

il fait du street art,

des expositions,
il a son studio de design,

son magazine,
sa collection de vêtements.

Il s'implique dans le milieu
de la nuit et des DJs,

et tout s'intègre, tout fonctionne.

J'expose mon travail dans la rue

pour plusieurs raisons :

La première étant que de cette manière,

on n'est pas obligé d'aller
montrer une présentation aux galeries,

de monter d'exposition, d'inviter
les gens pour qu'ils viennent.

Vous l'apportez directement aux gens.

L'autre raison,
c'est le contenu même de mon travail.

Je le considère comme une réflexion
sur la société de consommation,

le contrôle de l'espace public,
le fait que le monde soit aussi homogène

parce que les gens
ne s'expriment pas vraiment.

C'était un moyen de faire
entrer mon travail dans l'arène

pour que les sujets que je voulais
aborder stimulent la discussion,

et y parvenir.

Donc, au lieu de dire :

"Je vais créer un personnage
pour le toy ",

je l'ai considéré d'avantage
comme une toile de fond

et fait un collage dessus.

Et c'est super de voir comment des gens
regardent le jouet comme un tableau.

J'ai eu beaucoup de chance
avec le concept des Qee toys,

les objets à faire soi-même,
la beauté des formes...

Cela a attiré l'attention
d'une galerie d'art, Ox Op,

dans le Minnesota, aux Etats-Unis.

Tom Hazelmyer a eu la gentillesse

de me contacter pour une exposition
qu'il voulait faire.

Il connaît tant d'artistes importants :
Gary Baseman, Tim Biskup, Frank Jose,

Shepard, Obey...

Tous les artistes qui comptent.

C'est Toy2R qui avait le Qee toy,

et c'était beaucoup plus simple pour moi,

on a un modèle type dans Illustrator,

le programme que j'utilise habituellement.

Vous tracez les croquis et
il vous le transforme en 3D.

Et vous avez la perspective
avant, arrière et de côté.

Et après, vous calculez
la façon dont ça tourne.

Et le programme fait le reste
à partir du modèle.

Mon travail est extrêmement graphique,

et pour quelque chose
qui a ce genre de forme,

comme le Qee toy

et plus tard le Dunny,

c'était logique pour moi

de travailler comme ça.

Tant que j'ai l'impression d'être créatif

et de faire quelque chose de différent,

Ça me paraît logique

et ça vaut la peine.

Pour moi, c'est extrêmement visuel,
c'est basé sur le visuel.

Ça peut être très conceptuel

mais l'art californien,
l'art de L.A. Est très visuel.

Kaiju est un terme générique
qui veut dire monstre.

Et les jouets kaiju viennent
en général du Japon.

Bien que la plupart des gens
du côté américain ou même européen,

en faisant référence aux kaiju,
parlent de personnages

en vinyle souple des séries américaines
et des films des années 70.

On voyait Godzilla tous les dimanches,

à la télévision, dans le sud de la Californie.

Tous les dimanches, un nouveau Godzilla,

et le même revenait toutes les dix semaines.

Je les appelle les néo-kaiju.

Ce qui est génial, c'est que
les vieux modèles sont très ingrats.

En fait, ils sont plutôt merdiques.

C'est mal sculpté, ils sont gauches...

Mais il y a une énergie,
une étrangeté intéressante.

Ce sont bien des jouets de designers,

des jouets d'artistes ou art toy.

Parce que tous ceux qui créent
ces nouveaux personnages

sont artistes d'une manière
ou d'une autre,

peintres ou designers.

Je suis devenu obsédé
par les monstres japonais...

Ceci est un nouveau jouet, bizarre,
il a ce parfum des anciens jouets,

mais il est plus raffiné et plus moderne.

Les kaiju Ultramen étaient
ce que j'avais vu de plus dingue,

et mon style a réellement évolué
quand j'ai collectionné les vinyles et autres.

Les designers essaient de dupliquer
leur personnage tel qu'ils l'ont dessiné.

Dans le milieu des kaiju, il y a beaucoup
de gens qui rendent hommage

à telle famille de coloris,
en référence à tel jouet ancien.

On devine le clin d'œil, toujours
une allusion cachée dans un petit détail,

en référence à un vieux monstre
ou un vieil objet.

C'est un truc d'initié,

mais le travail lui-même est très raffiné.

On rend hommage, on a plus de
reconnaissance envers les choses du passé.

J'ai réalisé la sculpture moi-même

et je l'ai envoyée à Kyoka Gargamel.

On a préféré le terme kaiju
à monster dès le début.

Avant, les kaiju étaient d'abord à l'écran,

puis on les remodelait et

on les mettait en vente...

C'étaient des sortes de masques d'animaux,

des kigurumi...

Ici, ils ne sont pas issus de l'écran.

Ce qui me plaît,
c'est de créer un personnage

comme on pourrait en trouver
dans un spectacle réel.

On a des designs plutôt beaux,
parfois fous, mais intéressants.

Quand on a créé des jouets, on a travaillé
avec des sociétés japonaises

pour fabriquer les jouets
qui manquaient à notre collection.

Par exemple, ils fabriquaient
en 5 pouces tel ou tel jouet,

et pas tel autre.

D'autres, ils ne les produisaient
qu'en 9 pouces...

C'était ça qu'on voulait,
remplir les vides,

faire fabriquer ce qui nous manquait.

En fait, c'est le design...

La silhouette, les lignes, comment dire ?

Ça peut être très japonais
par l'arrangement et le remodelage.

Il y a ça aussi.

Et puis c'est vrai que
j'aime bien remodeler ces jouets.

J'aime bien les jouets d'autrefois.

C'est vrai que moi,
aux peluches réalistes de kaiju,

je préfère les jouets remodelés.

Ces jouets remodelés,

ce sont ceux des japonais

et c'est parce que

leur sensibilité ressort

quand je les arrange

et que je fabrique
des partenaires pour Gargamel.

Le plus connu qui soit multi-genre,

c'est Tim Biskup.
Beaucoup de jouets sont basés

sur ses personnages et ses thèmes.

Et ils appartiennent souvent
au monde des monstres,

et nous collaborons avec lui
pour Mecha Godzilla et les kaiju.

Celui-ci semble exactement
à mi-chemin :

Un personnage stupide,

bizarre, vaguement effrayant,

mais pas trop,

plutôt le genre taré pathétique.

Vous savez, la plupart des gens
ne collectionnent pas les héros,

mais recherchent des kaiju, des monstres
en délire, des trucs gélatineux.

Sur les vinyles :

D'abord, beaucoup n'ont aucune idée
de ce qui les pousse à faire des vinyles.

Parce que c'est la matière
des jouets vintages.

Je ne crois pas que les gens
savent pourquoi ils en fabriquent.

Je pense que c'est parce que
leurs prédécesseurs le faisaient.

"Si lui en fabriquait,
pourquoi pas moi ?"

"Ah, bonne idée,
je vais en refaire à ma façon."

Mais il ne connaissent pas l'histoire,
ils ne savent pas pourquoi ils le font,

ni ce qui a amené Bounty Hunter
à en fabriquer en 1999.

S'il l'a fait, c'était en référence
aux jouets anciens,

et aux personnages publicitaires

en vinyle creux,

ainsi qu'aux monstres qui étaient en vinyle.

Parce que c'était le procédé

le moins cher du moment.

On ne trouve qu'au Japon

ce type de vinyle

transparent sans bulle.

Les créateurs de toys viennent

du monde des jouets classiques

dont la fabrication est similaire.

Et si la plupart des gens en fabriquent,
c'est que c'est bon marché.

Les jouets comme ceux de Gargamel
et Secret Base, tous les jouets Indy vinyle,

évoquent plus le milieu

et la fin des années 70.

Les personnages Popy, Bomark,

ce genre-là, ou Marusan...

on les voit plutôt comme ça.

Ces gens vont le refaire comme
les jouets Indy d'aujourd'hui,

mais en fait tout vient
des jouets des années 70,

actualisés pour 2010, en somme.

Nous allions à l'usine
japonaise d'origine

qui a beaucoup fabriqué
dans les années 60 et 70,

notamment la plupart
des jouets Popy des années 70.

Et elle fabrique encore aujourd'hui,
c'est à Tokyo.

Les produits venant de Tokyo
sont, sans doute,

4 à 5 fois plus chers qu'en Chine,

mais il y a une vraie différence :
la qualité.

Si je veux fabriquer
des jouets de grande qualité,

je veux les meilleurs matériaux
et la meilleure fabrication.

Là-bas,

oui, c'est plus cher.

Mais quand vous ouvrez le colis,
l'objet n'a aucune odeur,

il ne sent pas la peinture,
pas d'émanation désagréable,

pas de plastique,

car c'est du vinyle pur.

C'est le seul endroit où
on trouve du vinyle transparent,

dans toutes les nuances sans bulle,

juste de la bonne épaisseur,
sans déformation,

et dans les bons coloris.

En Chine, ils n'en sont pas encore là.

Je connais des gens pour qui ça compte
que ce soit fabriqué au japon.

Il y a de la nostalgie là-dessous.

Sous les pieds des jouets anciens,
on lit : "made in Japan"...

On ne fabrique plus rien au Japon,
tout vient de Chine,

mais aussi de Malaisie,

d'Indonésie ou d'ailleurs.

Le "made in Japan"
a un côté nostalgique.

Pas vraiment pour moi,
mais j'en connais pour qui ça compte.

C'était notre premier souci,

à nous, collectionneurs cinglés,

trouver par exemple un Godzilla géant.

Il y a des fans qui achètent
2 exemplaires de chaque objet,

un pour le vendre sur Ebay
et rembourser l'achat,

et l'autre pour sa collection.

Quand on va au Comic Con,

ou d'autres événements
de sortie de toys,

comme quand Munkey King a sorti
la figurine possessed,

la file d'attente était énorme.

De même, quand nous avons fait
un événement pour la sortie du Dunny.

Je pense que la demande

est très forte.
Et nous continuons

de vendre nos produits.

Je ne crois pas

que le marché américain va tomber.

Pour la sortie d'une paire de Nike,

prévue dans un magasin,

les gens ont fait la queue
pendant une semaine.

C'était fou, les gens ont campé
devant pendant une semaine.

Avant, on visitait la galerie de Michael Lau,
il y avait 50 personnes environ.

Maintenant, on ne peut
même plus acheter

une de ces figurines.

Les files pour les autographes,

Ebay, et tous les autres facteurs,

ne font que s'amplifier,

partout dans le monde.

Des gens connaissent le toy,

les soirées de lancement

et tout ce qui concerne
les produits et leur fabricant,

sans oublier les rumeurs.

Ils apprennent à aimer les œuvres

et investissent toujours plus.

Tout ça n'aurait pas pu
arriver sans l'internet.

La façon dont le monde est devenu petit.

Cela a facilité l'accès à la commercialisation.

Michael Lau, par exemple,

a pu créer ses designs à Hong Kong,
et il a pu trouver une usine

qui a réalisé son projet fou de 500 toys.

Vous avez 100 dollars que vous dépensez,
vous ne les avez plus.

A la place, vous avez ce toy.

Mais quand ce toy
peut se revendre 200 dollars,

ben quoi ! C'est du business !

Vous êtes dans
votre passion, vous investissez,

c'est pourquoi

quand les toys des artistes se vendent

sur Ebay, plus que le prix normal,

cela attire des gens
à collectionner votre marque.

La plateforme toys existe

car c'est très cher
de faire son premier toy.

Vous devez en vendre énormément,

si vous voulez revoir votre argent.

C'est juste pour ça qu'elle existe.

Ils n'arrêtent pas d'en vendre,
ils en font toujours des nouveaux.

Les industries doivent s'adapter,

c'est la nécessité,

c'est la loi du marché.

Vous devez contrôler votre budget,
votre développement,

vos ventes

et vos coûts.

Tout doit être sous contrôle.

Les designers qui resteront
sur le marché

seront les plus forts.

Dans ce monde, les gens pensent
que 5 000 pièces, c'est un nombre

graduellement énorme.

Quand un fabricant,

qui a un processus industriel,

a des minimums de fabrication,

c'est de l'ordre
de 10 000 pièces.

Et pour faire,

la fraction de cette fraction

en terme de quantité,
c'est extraordinaire,

et c'est nouveau.

C'est une de mes fonctions
dans ma vie de tous les jours,

que je n'aurais pas pu faire
il y a 10 ans.

C'est pas tout le monde,
qui peut gérer un objet en 3D.

C'est plus facile, maintenant,

c'est cher mais
c'est un processus industriel

qui requiert le capital en entier,

alors qu'on produit

1 500 à 2 000 pièces

à un prix élevé.

Mais ça a changé
avec les grosses compagnies.

C'est intéressant, le design des toys,

c'était différent, il y a des années.
Depuis les années 50,

un nouveau jouet demandait
de l'ingénierie et des réunions.

Puis, il était
produit en nombre,

il fallait rivaliser

avec l'idée d'une personne.

C'était sympa.

Des gens font de l'argent avec,
et c'est un gros business.

Il a de bons côtés
et de mauvais côtés.

Beaucoup d'artistes se voient

offrir la chance de créer un toy,

mais en même temps,

on retrouve souvent les mêmes choses.

Et puis,

je crois que c'est sain
que de vrais artistes s'y retrouvent,

mais ce qui m'inquiète, c'est que ce soit
devenu trop grand, trop vite.

Il y a tant de forums

où l'on peut trouver
et acheter des toys,

et montrer sa collection.

Si tu ne peux pas faire de l'argent,
tu ne peux pas faire de toys.

Quand j'ai commencé aux Etats-Unis,

l'Amérique c'était rien,

maintenant, on est presque
en train de produire

plus de toys que Hong Kong.

Et en tant qu'entreprise,
on le fait plus que Hong Kong et le Japon.

C'est leur culture depuis longtemps,

c'est pourquoi,

ils sont un peu
sur le déclin maintenant.

Le marché japonais repart dans le passé,

fait du Old School

comme les Soul of Chogokin,

de vieux jouets,

des kaiju,

des vaisseaux spatiaux.

Au Japon, c'est que du revival,

c'est les principales choses à
vendre sur le marché du toy,

donc les designers n'y sont pas.

Les grosses entreprises comme
Bandai, Takara et Tomy,

n'ont jamais touché le milieu
du toy créatif.

C'est pas bon pour le business.

Le marché est totalement différent.

Par exemple, les Chogokin
sont destinés au mass market,

tout le monde les a vus,
les a connus

et les reconnait.

Mais les toys d'artistes ne sont créés
que pour une petite partie

de la population.

Ils le savent, et n'empiètent pas,

mais bien sûr, on s'en inspire.

Faire seulement 1 000 toys ?

Ca n'a pas de sens.

Car l'artiste

ne peut pas gagner de l'argent.

Sans argent, on ne finance
pas le toy suivant.

Certains diront :
"Tu sais qu'il va faire un toys ?"

C'est cool, mais quand on fait
une licence, ça ne l'est plus.

Je l'ai lu dans un forum,
je l'ai entendu dire.

Vous ne pouvez pas contrôler
les pensées des gens,

vraiment pas.

Tu fais ton boulot,
ils ne te payent pas.

Ils ne payent pas pour
que tu fasses ton toy.

Je fais des toys pour les vendre,
s'ils les aiment, ils les achètent.

Si tu vas sur Internet,

les gens disent que c'est fini.

50 personnes ont fait ce commentaire,

mais en réalité,
l'année dernière,

j'ai vendu 250 000 toys.

Et,

tous les trimestres,
les ventes sont en hausse.

Les boutiques qui ont ouvert, il y a 2
ou 3 ans, sont toujours là.

Toutes les boîtes nous demandent

des designs, plus de designs...

Peut-être que ça change un peu ?

Toujours un petit peu,

les choses changent toujours.

Je pense que cela continue d'augmenter

et qu'il y aura de nouvelles personnes
qui découvriront les toys.

Cela n'augmentera pas pour toujours

mais ce sera comme dans chaque ville,
il y a un libraire,

un disquaire...

et la boutique bizarre qui vend
des toys et des fringues.

Ce sera normal,

ce sera une chose de tous les jours.

J'en ai vu des centaines,
ce n'est que le début.

Comme c'est limité, et que
ce n'est pas à la portée de tout le monde,

cela montre

que vous y étiez avant les autres.

Ce n'est pas quelque chose d'inné,

c'est du travail de tous les jours.

Vous devez rester au courant,
par les news, les blogs...

On ne peut pas juste
en faire partie.

On doit l'apprendre.

C'est cool.

Tous les jours, il y a un nouveau toys
qui sort de notre imagination.

Même si certains
suivent une ligne artistique,

d'autres vont s'attaquer

à une machine
avec une forme impressionnante.

Mais la machine ne parle pas
et n'interagit pas.

Ca commence comme ça et après...

Quand vous voyez des choses en 3D,

elles ont cette qualité tactile

qu'on ne retrouve pas sur les 2D.

C'est super

de voir la 2D prendre forme,

la voir tourner, interagir avec elle.

Mais des fois,

cela ne donne pas
la même chose que l'originale.

Vous devez faire des compromis entre
vos dessins et la façon dont ça va ressortir.

Mais elles ont chacune leur qualité

qui fait que c'est incroyable.

Il y a comme une lutte
constante entre

le Grand Art et
le nouvel art contemporain

représenté par les illustrations,
les sérigraphies...

Et on ne regarde pas un toy

comme on regarde une œuvre.

Mais tout cela,

comme la création de pièces uniques

est fait pour se rapprocher
du monde de l'art.

Mais, c'est possible,

grâce à des artistes comme
Tim Biskup...

Toutes leurs pièces sont uniques,

et tout le monde
veut faire comme eux.

Voyons si ton micro marche.

Nous...

- les autres, je ne sais pas -

Au début, on s'est retrouvé à créer ce jouet,

pas juste pour faire un jouet,

mais pour rendre notre art

extrêmement accessible,

et tactile,

pour le faire connaître de tous

de la façon la meilleure et la plus large.

Et ce moyen c'est les jouets.

Un produit de masse,

ou semi-industriel,

qui demeure accessible
à un prix abordable.

C'était très ouvert, beaucoup d'artistes
ont adopté ce support.

Et maintenant, on en fait
pour le monde entier.

On doit donc prendre
tout le monde en compte,

mais Miami nous influence aussi,
par les couleurs,

c'est plein de vie, c'est puissant...
Et chaud...

La réalité ici est comme ça,

de la magie réelle, tout le temps !

Habiter ici, ça compte.

Il y a un exemple parfait en ce moment,

c'est le WarDragamel de Tim Biskup,

vous connaissez ?

A l'occasion d'une exposition
à la galerie Billy Shire à Los Angeles,

il en a conçu une version transparente

en 25 exemplaires.

Il a moulé à la main des pistolets,
des couteaux

et diverses armes en étain

qu'il a peints et insérés.
Il y en avait 25,

et c'est un jouet à 600 dollars.

Mais c'était aussi une sculpture,
ça venait d'une galerie

et c'était une édition limitée,
25 sculptures.

Tout a été vendu en quatre heures.

Il peut y avoir plusieurs directions,
clairement, deux :

L'une plus axée vers une
culture du toy de masse,

mais aussi une tendance Grand Art.

Et moi, c'est plutôt celle-ci.
L'évolution des jouets vers l'art

en est une nouvelle,
intéressante à explorer,

de transformer les jouets

en un produit reconnu.

Ce qui me plairait vraiment,

ce serait d'aller plus
du côté de la sculpture,

ça resterait des reproductions,

mais dans un genre plus sculptural.

Les créateurs y mettent
beaucoup d'âme,

ils ne s'enrichissent pas encore

mais ils considèrent ça
vraiment comme de l'art.

D'où les chiffres,
ils fabriquent cent pièces,

le jouet peut valoir
dans les 100 dollars,

mais quand vous le possédez,
c'est extraordinaire.

Donc c'est quoi ? Un jouet
ou une sculpture, un objet d'art ?

Est-ce du pop art ou de l'art publique ?

Et la frontière devient
de plus en plus floue.

Est-ce que le "Dissected Companion"
en fibre de verre de 16 pieds

ou les "Original Fake"
sont de la sculpture ?

Et un "Dissected Companion"
de seize pouces

produit en 500 exemplaires
pour le compte de Medicom ?

Est-ce de l'art publique
ou du Grand Art ?

Tout est confus,
ça va dans le sens du pop art.

Il y a une économie d'échelle,
c'est pour les masses,

mais avec un vrai
point de vue artistique.

Une forme d'art ? Possible.

Par exemple, si, assis là,
je fais ça, c'en est ?

Je ne sais pas.

Si un autre le fait c'est de l'art ?
Non, ce serait un produit.

Est-ce qu'on peut en faire
une sculpture ? Oui.

Mais je vais le faire de façon
à ce que ce soit un objet d'art.

Est-ce que je veux lui donner vie
et l'animer ? Oui.

Mais en le voyant,
on peut venir me dire :

"Ah non, les filles l'aiment
comme ci et comme ça,

et c'est ce qui a fait son succès..."

C'est une forme ou un support artistique
pour beaucoup d'artistes.

Quand au terme toy,
c'est une mode.

Est-ce une statue

ou une édition limitée
à partir d'un moule ?

L'appeler toy,
c'est une mode.

Cela tient plutôt du phénomène culturel,
de notre temps,

que de l'art ou
d'une forme d'expression artistique.

Je ne pense pas
que le terme toy survivra.

C'est important,

car en y réfléchissant bien, c'est
le premier médium artistique nouveau

depuis cent ans.

Il existe une fondation Andy Warhol

qui est chargée de développer
des formes artistiques.

On a appliqué des Andy Warhol
originaux à des Bearbricks,

c'est un autre moyen de faire
connaître Andy Warhol.

Et ceux qui le connaissent
nous disent :

"C'est quoi ces personnages ?
On veut en acheter."

Le pop art a un peu fait ça,
avec les "multiples".

Mais c'était encore trop précieux.

Alors que tout à coup
avec les "toys"

l'art underground en 3D

devient accessible

sous forme de dessins, de livres

ou de pièces de théâtre.
C'est nouveau.

Ça n'existait pas avant.

Il y a bien eu la sculpture kitsch mais

ce n'était pas de la contre-culture,
comme : "Tiens, voilà une Madonna".

Et vous pouviez aller au musée voir un Rodin

ou une statue grecque,

mais une sculpture qui soit aussi

de l'art populaire d'avant-garde,

ca n'existait pas
avant ce mouvement.

J'aime créer ces objets.

On ne me dit pas ce que j'ai à faire,

ce qui est bien ou pas,
lorsque j'en crée,

je n'ai rien de commun
avec les gens.

J'emporte mes carnets
à dessin partout,

je travaille dans le monde entier,

je leur donne vie.

Et puis,

je suis mon propre maître,
je ne me demande pas

si je vais pouvoir le vendre
ou en vivre...

Ce qu'il y a de génial
avec la culture pop,

c'est qu'on peut parler
de toutes sortes de sujets délirants,

tout en ayant un marché de masse.

C'est comme un peintre

qui ne peindrait pas une toile
pour une seule personne

mais choisirait de créer des T. Shirts

pour que son œuvre

soit la propriété d'un large public.

Ou un sculpteur, qui ne cherche pas

à faire une œuvre unique

mais une figurine

vendue en

multiples exemplaires.

Les objets ont toujours
fait partie des courants artistiques.

Vous savez, il y a des milliers
d'années qu'on fait

des totems, de l'art brut,
des objets sculptés.

Tout ça a toujours fait partie
de l'histoire de l'art.

Oui... les jouets en vinyle
font bien partie

d'un nouveau mouvement artistique,

et nous verrons bien
où ça nous mènera.

Il n'y a pas de message particulier :
"A cette œuvre correspond ce message."

Non... on s'est vraiment amusés
à faire ce qu'on fait,

et on n'a pas tant pensé au message

qu'à susciter une réaction chez les gens.

C'est l'objectif numéro un.
Faire quelque chose

qui vous touche,

qui produise quelque chose,

qui fasse rire, pleurer, haïr,

n'importe quoi, c'est bien.

C'est-à-dire que c'est bien
de faire quelque chose,

de le présenter et
de voir la réaction de l'autre.

Pour nous, c'est le principal,

ce n'est pas un message, mais une action
qui cherche une réaction.

Beaucoup ont été attirés par les jouets
ces deux ou trois dernières années,

ils ont juste pris le train en marche,

sans aucune base visuelle de départ.

Ils se sont mis aux jouets
parce qu'ils en avaient envie.

Pour nous, ce n'était pas que des jouets,

c'était un moyen d'exprimer
ce qu'on avait à dire visuellement.

Récemment, ont été exposés à Pékin,

les plans du
Business House Museum.

Comme la salle d'exposition
était très spacieuse,

le projet a pu être présenté
en grand format, sur 10 mètres.

Comme c'était en grande dimension

dans un vaste espace,

les visiteurs l'ont considéré

comme une véritable œuvre d'art.

En réalité, il avait juste été agrandi.

Comme quoi c'est l'espace
et la taille qui font l'art.

Il y a plus de possibilités,
toutes sortes

de gens du multimédia passent de
la peinture au toy, des graffiti aux jouets.

Les gens ne disent plus :
"Je suis un peintre, je peins..."

Beaucoup de gens touchent à tout.

Je trouve qu'il est parfois difficile

de travailler sur plusieurs choses à la fois,

de trouver l'équilibre.

Cet équilibre qui existe

quand on peut voir le fil conducteur
entre les différents médiums utilisés

pour exprimer ce qu'on veut faire.

Non, je ne suis pas un créateur,

mais j'apporte une valeur
ajoutée qui fait vendre.

Il y a certainement
de nouvelles voies pour les artistes.

Avant, il fallait trouver une galerie,

on pouvait trouver porte close

si on n'avait pas fait
les bonnes écoles

ou acquis la bonne formation.

C'est ce qui me fait dire que la création
de jouet est une expérimentation,

l'expérimentation de la forme...

Je peins les personnages différemment,

une fois qu'ils existent en "toys",

Je les comprends autrement.

Tout le monde dit que c'est mort à Hong Kong,
que c'est mort au Japon,

et que cela va mourir ici bientôt.

Cela ne va pas mourir, car il y a des gens
qui ne connaissent pas encore le toy.

Et tous les jours, on en rencontre.

Ils viennent à Toy Tokyo,
et je peux observer leur réaction.

C'est généralement des jeunes gens,
qui ne peuvent pas s'offrir ces figurines.

Mais, ils pourront le faire plus tard.

Et, il y aura de nouvelles figurines,
de nouveaux designers.

Quelqu'un a dit que cela
deviendra meilleur,

et nous serons toujours
de mieux en mieux.

Il reste encore beaucoup
de place pour grandir.

Un de ces jours on s'en rendra compte :
"C'était vraiment important,

il s'est passé quelque chose ".

Parce que c'est incroyablement populaire,

et ce qui est génial, vraiment super génial,

c'est que les gens achètent le jouet en blanc
et font leur propre création.

Ça a toujours été le cas avec les maquettes,

mais ça n'a jamais été aussi artistique.

C'était : " On va lui donner l'allure
de quelque chose qui existe déjà."

Les gens ne font pas des chars
ou des avions artistiques.

Et là, ils font ces trucs dingues
à partir d'une figurine en blanc.

Et les amateurs font souvent mieux
que les fabricants.

Ils peuvent acheter un objet fini,

mais ils préfèrent en faire un
qui reflète leur image.

Donc, il y en a pour un moment,

car ça génère une énergie
qui retourne

vers l'objet...

Et tout ça...
C'est ce qui définit la scène,

la scène des designers de toys.

Il y a des gens qui vont prospérer
sans appartenir à cette scène.

Alors que d'autres,
si ce marché vient à s'effondrer,

n'auront rien à dire

et disparaîtront.

Je pense que ça va bouger,

ça chauffe, en ce moment,

ça dure depuis un bout de temps
et c'est inévitable.

Ça va probablement
s'accentuer un certain temps

et ensuite imploser,
devenir obsolète.

Moi... Mon seul espoir
c'est de pouvoir continuer

à travailler quand j'en aurai envie.

J'aimerais vraiment ça,
c'est si sympa de pouvoir se dire :

"Voilà ce qui serait super :
une statuette en bronze

avec des éléments en vinyle,

ou en contreplaqué."

Il y a tant de choses à faire,

tant de choses qui gravitent

autour de ce mouvement...

J'aime cette possibilité
de créer ces objets,

c'est vraiment génial.

Tout le monde a ouvert
la porte, en même temps.

Du coup,

une nouvelle catégorie
de designer,

des designers de toy, a été créée
dans le monde des toys,

incluant l'art mondial.

S'il existe un livre

parlant de l'histoire du toy et du reste,

il faudrait le faire.
Nos noms seraient peut-être

à l'intérieur, comme faisant partie

de la scène des designers de toys.

Je suis sur qu'il y en aurait plein.

Quand il n'y aura plus rien,

ce sera la fin.

Mais pour l'instant, cela ne l'est pas.