All language subtitles for THE LOUVRE MUSEUM, Paris ¦ Mona Lisa, Venus de Milo & More ¦ Walking Tour ¦ 4K 60FPS (2160p_60fps_AV1-128kbit_AAC).Italian

Ciao a tutti, benvenuti. Oggi vi porto al Louvre, il più grande museo d'arte al mondo.

Percorreremo le sue ali più iconiche, dalle civiltà antiche ai dipinti e alle sculture più famosi al mondo.

È sabato, poco dopo l'una del pomeriggio, con un sole splendente, e siamo proprio davanti alla Piramide.

Adesso siamo in coda, in attesa di superare l'ingresso.

Ora passiamo i controlli di sicurezza, proprio all'ingresso del Louvre.

Subito dopo la sicurezza, con la folla che si muove nella hall sottostante.

L'ombra della Piramide si allunga sul pavimento della hall sotterranea.

Questa piramide di vetro e acciaio fu progettata dall'architetto I.M. Pei e inaugurata nel 1989.

Fu il fulcro della ristrutturazione del Grand Louvre, voluta dal presidente François Mitterrand.

Per anni, una voce sosteneva che fosse stata costruita con esattamente seicentosessantasei lastre di vetro.

In realtà sono seicentosettantatré, e il Louvre lo ha confermato più volte.

Ora scendiamo fino in fondo, dritti nel cuore della hall sotterranea.

Da qui si diramano tre ali, e ognuna vi porta in un luogo completamente diverso.

Di fronte c'è Sully, la parte più antica del palazzo, costruita attorno a una fortezza medievale.

A destra c'è Denon, che ospita la Gioconda e i dipinti più famosi del museo.

A sinistra c'è Richelieu, un tempo uffici ministeriali prima di diventare gallerie nel 1993.

Ogni ala porta il nome di un grande personaggio della storia di Francia.

Sully prende il nome dal duca di Sully, primo ministro del re Enrico IV.

Denon rende omaggio a Vivant Denon, il primo direttore del Louvre sotto Napoleone.

E Richelieu prende il nome dal Cardinale, primo ministro del re Luigi XIII.

Le tre ali si incontrano qui, sotto la Piramide, in quella che si chiama hall Napoleone.

È l'ingresso principale dell'intero museo, dove ogni visita comincia davvero.

Il Louvre stesso nacque come fortezza nel dodicesimo secolo, molto prima di diventare un museo.

In seguito divenne palazzo reale, e aprì al pubblico come museo solo nel 1793.

Oggi è il museo più visitato al mondo, con circa nove milioni di visitatori all'anno.

Cominciamo dall'ingresso Richelieu, a sinistra.

Trovate il link ufficiale dei biglietti del museo nella descrizione qui sotto.

L'ingresso costa 22 euro per i residenti UE e SEE, 32 euro per tutti gli altri.

È completamente gratuito per gli under 18 e per i giovani dai 18 ai 25 anni dell'UE o del SEE.

Anche i disoccupati e i visitatori con disabilità, più un accompagnatore, entrano gratis.

E il museo è gratuito per tutti il primo venerdì sera del mese, e ogni 14 luglio.

Ora passiamo il secondo controllo di sicurezza, ed entriamo.

Siamo ufficialmente nell'ala Richelieu, la più recente delle tre ali del Louvre.

Fino al 1989, quest'intera ala era occupata dal Ministero delle Finanze francese, non dal museo.

Aprì al pubblico solo nel 1993, dopo che il ministero si trasferì a Bercy.

All'interno troverete la scultura francese, le arti decorative e i fastosi appartamenti di Napoleone III.

C'è anche una grande collezione di antichità del Vicino Oriente, incluso il Codice di Hammurabi.

E due cortili coperti di vetro, colmi di sculture, a partire da quello proprio davanti a noi.

Questo è il Cour Puget, dal nome di uno dei più grandi scultori di Luigi XIV.

Un tempo questo cortile era interamente a cielo aperto, esposto al clima di Parigi.

Fu coperto con questa vetrata solo durante la ristrutturazione del museo nel 1993.

Il cortile prende il nome da Pierre Puget, uno dei più grandi scultori di Luigi XIV.

I suoi due capolavori sono qui: Milone di Crotone, e Perseo e Andromeda.

Entrambi furono scolpiti per i giardini di Versailles, oltre tre secoli fa.

Milone di Crotone raffigura un lottatore dell'antica Grecia, un tempo celebre per la sua forza straordinaria.

La leggenda narra che la sua mano rimase incastrata in un tronco che cercava di spaccare.

Un leone lo assalì allora, come punizione per il suo orgoglio e la sua tracotanza.

Oltre all'opera di Puget, questo cortile racconta la storia stessa della scultura francese.

Abbraccia tre secoli, dall'epoca di Luigi XIV al diciannovesimo secolo.

Molte statue del diciassettesimo secolo ornavano un tempo le piazze reali di Parigi.

La maggior parte fu distrutta durante la Rivoluzione francese, insieme alla monarchia che celebravano.

Le opere del diciottesimo secolo provenivano da giardini privati, di stile più leggero e delicato.

Una raffigura la favorita del re, Madame de Pompadour, come allegoria dell'amicizia.

Il diciannovesimo secolo portò un'atmosfera diversa, dalla calma neoclassica al dramma romantico.

Sotto Napoleone I, gli scultori tornarono alle linee severe della Grecia e della Roma antiche.

Più tardi, gli scultori romantici preferirono il movimento e l'emozione pura.

Queste statue non furono mai concepite per un museo, erano fatte per vivere all'aperto.

Ora al riparo sotto il vetro, sfuggono finalmente all'usura del tempo e delle intemperie.

Entriamo ora nel Cour Khorsabad, una delle sale più straordinarie di quest'ala.

Ciò che state guardando sorgeva un tempo nel nord dell'Iraq, vicino alla città di Mosul.

Questa regione è la Mesopotamia, la terra tra i fiumi Tigri ed Eufrate.

È spesso chiamata la culla della civiltà, patria di alcune delle più antiche città dell'umanità.

Nell'ottavo secolo a.C. era governata dall'Impero assiro, una delle più grandi potenze del mondo antico.

Il re Sargon II decise di costruire una capitale del tutto nuova, lontano da quella vecchia.

La chiamò Dur-Sharrukin, «la fortezza di Sargon», costruita in meno di dieci anni.

Il solo palazzo aveva duecento sale e cortili, custoditi da queste statue colossali.

Si chiamano lamassu: metà toro, metà aquila, con volto umano, e persino cinque zampe ciascuno.

Sargon morì misteriosamente in battaglia, e suo figlio abbandonò la città per Ninive.

Dur-Sharrukin rimase sepolta sotto la sabbia del deserto per oltre duemila anni.

Il console francese Paul-Émile Botta la riscoprì nel 1843, creando qui il primo museo assiro al mondo.

Ora torniamo indietro, attraverso le sale che costeggiano il livello superiore del Cour Puget.

Queste sale ripercorrono la scultura francese sala per sala, artista per artista.

Qui lavorò Jean-Antoine Houdon, uno dei più grandi scultori di ritratti dell'Illuminismo.

Ritrasse Voltaire, Diderot e persino i propri figli, con un realismo sorprendente.

Poco distante, le terrecotte di Clodion esplorano uno stile rococò più leggero e giocoso.

Più avanti, le sculture di animali di Antoine-Louis Barye colgono il pathos del Romanticismo.

Un ultimo sguardo a queste gallerie prima di dirigerci verso il Cour Marly.

Siamo ora nel Cour Marly, un altro cortile coperto di vetro all'interno dell'ala Richelieu.

Ogni statua qui sorgeva un tempo all'aperto, nei giardini di una tenuta reale chiamata Marly.

Marly era il ritiro privato di Luigi XIV, lontano dalla folla di Versailles.

La costruzione iniziò nel 1679, e la tenuta fu completata appena quattro anni dopo.

Al suo centro sorgeva un padiglione reale, circondato da dodici padiglioni più piccoli per gli ospiti.

A differenza di Versailles, non fu costruita per impressionare gli ambasciatori o accogliere l'intera corte.

Solo una manciata di ospiti privilegiati era invitata a soggiornare qui accanto al re.

I giardini vantavano un'enorme cascata a gradoni, che scendeva lungo la collina.

Quasi centocinquanta statue decoravano un tempo questi terreni, per lo più ispirate alla mitologia.

Durante la Rivoluzione francese, la tenuta fu spogliata di ogni cosa di valore.

Il castello stesso fu poi demolito, le sue pietre riutilizzate per costruire chiese altrove a Parigi.

Oggi non resta quasi nulla del sito originario, solo un tranquillo parco fuori città.

Ma prima che il castello scomparisse, le sue statue furono salvate e infine portate qui.

La coppia più celebre sono questi due, noti come i Cavalli di Marly.

Furono scolpiti da Guillaume Coustou, tra il 1743 e il 1745, per Luigi XV.

Ciascuno raffigura un cavallo selvaggio che s'impenna, trattenuto da uno stalliere a mani nude.

In origine dovevano sovrastare il grande abbeveratoio della tenuta.

Nel 1794, durante la Rivoluzione, entrambi i cavalli furono trasferiti nel cuore di Parigi.

Furono collocati nell'attuale place de la Concorde, a segnare l'inizio degli Champs-Élysées.

Vi si ergono ancora oggi delle repliche, che affrontano l'inquinamento che gli originali non potevano più reggere.

Nemmeno la sfilata militare annuale del 14 luglio che passava davanti a loro fu d'aiuto.

I veri cavalli di marmo giunsero finalmente al Louvre nel 1984.

Prima dei cavalli di Coustou, nello stesso punto del giardino sorgevano statue più antiche.

Scolpite decenni prima da Antoine Coysevox, raffiguravano Mercurio e la Fama, entrambi in sella a Pegaso.

Queste due furono spostate per prime, al giardino delle Tuileries, per far posto ai cavalli di Coustou.

Altrove in questa sala noterete divinità fluviali che rappresentano la Senna e la Marna.

E Nettuno e Anfitrite, signori del mare, anch'essi scolpiti dallo stesso Coysevox.

Questo cortile, come il precedente, fu coperto di vetro solo durante la ristrutturazione degli anni Novanta.

Prima di allora, queste statue sorgevano qui all'aperto, sotto il cielo di Parigi.

Un sistema di terrazze permette ora di ammirarle da diverse altezze e angolazioni.

Delle tende integrate nella vetrata aiutano persino a regolare la luce e la temperatura.

È una delle imprese ingegneristiche più inaspettate dell'intera ristrutturazione della Piramide.

Marly forse non esiste più, ma i suoi cavalli, i suoi dèi e i suoi eroi hanno trovato qui una dimora definitiva.

Da giardini sferzati dal vento due secoli fa, al marmo splendente sotto il vetro di oggi.

Proseguiamo ora, seguendo le tracce dell'antica Persia, addentrandoci nell'ala Sully del museo.

Siamo appena passati nell'ala Sully, subito dopo l'angolo del Cour Carrée.

È qui che proseguono le antichità del Vicino Oriente del Louvre, ora verso l'antica Persia.

Questi pannelli blu-verdi provengono dal palazzo di Dario I, a Susa.

Susa era una città reale nell'attuale Iran sud-occidentale, una delle più antiche al mondo.

Dario governò l'Impero persiano intorno al 500 a.C., dall'Egitto fino all'India.

Le mura del suo palazzo erano rivestite di mattoni modellati e smaltati, cotti in colori vivaci.

Il pannello più celebre mostra una processione di arcieri, che marciano in file identiche.

Potrebbero rappresentare gli Immortali, la guardia scelta del re, forte di diecimila soldati.

Altri pannelli raffigurano leoni e grifoni, simboli di potere regale e protezione.

Questi mattoni furono portati alla luce a Susa da archeologi francesi negli anni 1880.

Jane e Marcel Dieulafoy diressero gli scavi, lei tra le prime donne del settore.

Migliaia di frammenti furono ricomposti qui, mattone dopo mattone.

Ci vollero decenni per trasformare quei frammenti nelle pareti che vedete oggi.

Scendiamo ora nel Louvre medievale, molto al di sotto del museo moderno.

È qui che comincia davvero la storia del Louvre, quasi otto secoli fa.

Il re Filippo II, detto Filippo Augusto, fece costruire qui una fortezza intorno al 1190.

All'epoca Parigi non aveva vere difese, e i sovrani inglesi rappresentavano una seria minaccia lì vicino.

Così Filippo circondò la sua nuova fortezza con un fossato largo dodici metri e profondo sei.

In questo momento state attraversando proprio quel fossato, completamente asciutto e lastricato in pietra.

Al suo centro sorgeva una torre imponente di trenta metri, nota come la Grosse Tour.

Fungeva da tesoro reale, e da prigione per i nemici del re.

Un conte delle Fiandre, si narra, vi fu rinchiuso per tredici anni di fila.

Nel Trecento, sotto il re Carlo V, la fortezza divenne una vera e propria residenza reale.

Ma nel 1528, il re Francesco I fece abbattere completamente la vecchia torre.

Voleva più luce e spazio per un moderno palazzo rinascimentale.

Per secoli, queste fondamenta rimasero sepolte e dimenticate sottoterra.

Furono riscoperte solo negli anni Ottanta, durante la costruzione della Piramide.

Gli archeologi riportarono alla luce le mura, il fossato e migliaia di oggetti medievali di uso quotidiano.

È uno dei più grandi scavi archeologici mai condotti nel cuore di Parigi.

Saliamo ora, lasciamo il Medioevo ed entriamo nell'antico Egitto.

Ed eccola, la Grande Sfinge di Tanis, a guardia dell'ingresso dell'antico Egitto.

Scolpita in granito rosa intorno al 2600 a.C., è una delle più grandi sfingi al di fuori dell'Egitto stesso.

Scoperta nel 1825 tra le rovine di un tempio nel nord dell'Egitto, pesa dodici tonnellate.

Ora saliamo verso le grandi gallerie egizie.

Siamo giunti alle gallerie principali, quelle delle Antichità egizie.

Questo dipartimento fu fondato nel 1826, sotto il re Carlo X.

Il suo primo direttore fu Jean-François Champollion, l'uomo che decifrò la scrittura geroglifica.

Nel 1822 riuscì finalmente a decifrarla, aprendo l'accesso a millenni di storia egizia.

Questa prima sala si chiama «il Nilo», e dà il tono a tutto ciò che segue.

La civiltà egizia esistette solo grazie a questo unico fiume, che scorre nel deserto.

Ogni anno il Nilo straripava e lasciava un fertile limo nero, perfetto per l'agricoltura.

Gli antichi Egizi chiamavano la loro terra Kemet, «la terra nera».

Senza le piene del Nilo, questa civiltà semplicemente non sarebbe esistita.

Da qui la collezione si dispiega sala dopo sala, seguendo la vita quotidiana dell'antico Egitto.

Dopo il Nilo, la collezione mostra come gli Egizi davano senso al loro mondo.

Una sala è interamente dedicata alla scrittura e all'invenzione dei geroglifici.

Gli scribi godevano di enorme prestigio, poiché quasi nessun altro sapeva leggere o scrivere.

Più avanti troverete gli oggetti della vita quotidiana: mobili, utensili e ceramiche.

Poggiatesta di legno, sgabelli e giochi rivelano come vivevano davvero gli Egizi comuni.

Altre teche custodiscono gioielli e cosmetici, apprezzati sia dagli uomini che dalle donne.

Il trucco non era solo una questione di bellezza: si credeva proteggesse dal sole e dagli spiriti maligni.

Anche i giochi da tavolo come il Senet erano diffusi, e venivano persino posti nelle tombe per l'aldilà.

Tutto questo conduce alla religione, il vero centro della civiltà egizia.

Quasi ogni aspetto della vita quotidiana era in qualche modo legato agli dèi.

Ed è proprio lì che ci dirigiamo ora.

Davanti a noi c'è una delle sale più imponenti dell'intero dipartimento.

È concepita attorno all'idea di un vero e proprio tempio egizio.

Entriamo.

Questa è la sala del Tempio, pensata per farvi sentire come se ne varcaste davvero la soglia.

I templi egizi non erano luoghi di culto pubblico, a differenza delle chiese o delle moschee di oggi.

Erano considerati le vere dimore degli dèi, qui sulla terra.

Solo i faraoni e i sacerdoti potevano accedere alle sale più interne.

La gente comune, tutt'al più, poteva avvicinarsi ai cortili esterni.

Queste colonne colossali imitano le sale ipostile dei templi veri, come quello di Karnak.

Ipostilo significa semplicemente un tetto sorretto interamente da file di colonne.

Alcune di queste colonne e statue sono frammenti autentici, riportati dall'Egitto.

Qui noterete statue di Sekhmet, una dea dalla testa di leonessa.

Sekhmet rappresentava insieme la guerra e la guarigione, temuta e venerata in egual misura.

Alcuni faraoni commissionarono centinaia di sue statue, per tenere a bada la sua potenza.

Qui i sacerdoti svolgevano riti quotidiani: lavare, vestire e nutrire le statue degli dèi.

Oggi suona strano, ma per loro la statua custodiva davvero la presenza del dio.

Questa sala coglie alla perfezione la grandiosità e il mistero della vita religiosa egizia.

Poi ci dirigeremo verso i sarcofagi e il mondo dell'aldilà.

Proseguiamo.

Scendiamo ora un'altra scala, verso una parte più buia del museo.

È qui che comincia la collezione di sarcofagi.

Sono sarcofagi e casse funebri egizie, tenuti volutamente in penombra per preservarli.

Un sarcofago è l'involucro esterno di pietra; la cassa all'interno conteneva il corpo vero e proprio.

La maggior parte delle casse aveva la forma del defunto, avvolto come una mummia.

Sono ricoperte di formule dipinte, destinate a proteggere il morto nel suo viaggio.

Gli Egizi credevano che il corpo dovesse restare intatto perché l'anima sopravvivesse in eterno.

È proprio questa credenza a rendere la mummificazione così essenziale nella loro cultura.

Ora risaliamo, lasciando questa sezione più silenziosa e buia.

Questa sala custodisce il cuore della collezione: decine di sarcofagi, allineati in file.

Alcuni sono di legno dipinto, altri scolpiti nella pietra massiccia, ciascuno profondamente personale.

Ogni cassa era realizzata su misura per una persona precisa, per il suo viaggio nell'aldilà.

Gli Egizi più ricchi venivano sepolti in più casse, incastrate una dentro l'altra.

Scene dipinte ricoprono quasi ogni superficie: dèi, formule e simboli protettivi.

Colori vivaci come il blu e l'oro non erano semplice decorazione, avevano un vero significato religioso.

Piccoli amuleti venivano spesso infilati tra le bende, vicino al corpo.

Uno scarabeo scolpito veniva posto proprio sul cuore, per proteggerlo durante il giudizio.

Più avanti, una teca in particolare cattura lo sguardo di ogni visitatore.

Ed eccola: una vera mummia egizia, dietro il vetro.

È un uomo del periodo tolemaico, di oltre duemila anni fa.

Ancora avvolto nel suo lino originale e nel suo cartonnage dipinto.

La mummificazione poteva richiedere fino a settanta giorni, dall'inizio alla fine.

I sacerdoti rimuovevano prima gli organi, tutti tranne il cuore, ritenuto sede dell'anima.

Fegato, polmoni, stomaco e intestini venivano conservati a parte, nei vasi canopi.

Il cervello, considerato inutile, veniva estratto dal naso e gettato via.

Il corpo veniva poi essiccato con il natron, un sale naturale, per quaranta giorni di fila.

Solo dopo poteva essere avvolto, unto d'olio e sigillato nella sua cassa.

I sacerdoti che officiavano il rito indossavano spesso maschere di sciacallo, a rappresentare il dio Anubi.

Anubi era il dio dell'imbalsamazione, che guidava le anime al sicuro verso l'aldilà.

Gli Egizi credevano che una persona possedesse più anime, tra cui il ka e il ba.

Il ka aveva bisogno del corpo per sopravvivere, ed è proprio per questo che la mummificazione contava tanto.

Ancora oggi, questo angolo della sala attira le folle più numerose del dipartimento.

È ora di proseguire verso ciò che viene dopo.

Proprio accanto alla scala, altre teche attirano lo sguardo prima di salire.

Questi recipienti sono vasi canopi, fatti per contenere organi ben precisi.

Erano sempre quattro: uno per il fegato, uno per i polmoni, lo stomaco e gli intestini.

Il coperchio di ogni vaso raffigura uno dei quattro figli di Horus, divinità protettrici.

Uno ha testa umana; un altro di babbuino, di sciacallo e di falco.

Ogni vaso era inoltre associato a una dea, raddoppiando la protezione.

Poco distante potete vedere i veri strumenti usati nell'imbalsamazione.

Lunghi uncini servivano a estrarre il cervello dal naso, pezzo dopo pezzo.

Altri strumenti servivano a praticare l'incisione ed estrarre gli organi.

Bene, è ora di salire le scale.

Saliamo ora il grande scalone, fino al primo piano dell'ala Sully.

Questo livello superiore racconta la storia dell'Egitto in ordine cronologico, dinastia per dinastia.

Abbraccia quasi cinquemila anni, dai primi re fino alla conquista romana.

E proprio in cima, due sfingi di pietra nera vegliano sull'ingresso.

Giriamo ora a sinistra, verso le ultime sale della collezione egizia.

Queste gallerie coprono l'ultimo capitolo della storia faraonica.

A questo punto, l'Egitto era già caduto una volta sotto l'Impero persiano.

Un faraone locale cacciò brevemente i Persiani e riconquistò il trono.

Ma la Persia tornò, governando l'Egitto per diversi altri decenni.

Tutto cambiò nel 332 a.C., con l'arrivo di Alessandro Magno.

Conquistò l'Egitto quasi senza combattere, accolto quasi come un liberatore.

Dopo la morte di Alessandro, il suo generale Tolomeo prese il controllo del paese.

Tolomeo fondò una dinastia reale del tutto nuova, di origine greca, che regnò come faraoni.

Per tre secoli, i suoi discendenti fusero le culture greca ed egizia.

Si costruivano ancora templi nell'antico stile faraonico, e si veneravano gli dèi come sempre.

Eppure i sovrani stessi parlavano greco, non la lingua dell'antico Egitto.

L'ultima di questa dinastia fu una regina di cui avrete senz'altro sentito parlare.

Si chiamava Cleopatra VII, l'ultima faraona d'Egitto.

Dopo la sua morte nel 30 a.C., l'Egitto divenne nulla più di una provincia romana.

E, non a caso, un'ultima sfinge segna la fine di questo lungo viaggio dinastico.

Per tremila anni, statue come questa hanno custodito i templi e i re dell'Egitto.

Proseguiamo verso la galleria successiva.

Notate ora il soffitto, dipinto e dorato, del tutto diverso dai precedenti.

Queste sale furono in realtà costruite negli anni Venti dell'Ottocento, come museo a sé stante.

Si chiamava Museo Carlo X, inaugurato dal re nel 1827.

Alcuni dei più grandi pittori di Francia furono ingaggiati solo per decorare questi soffitti.

Ogni scena collega l'Egitto alla mitologia greca o alla storia biblica.

Lo stucco dorato fu concepito per imitare il marmo rosa e bianco.

È una visione dell'antichità molto ottocentesca, sovrapposta all'antico Egitto.

Non a caso, queste sale ospitano anche l'ultima e più cosmopolita epoca dell'Egitto.

Gli oggetti qui riflettono secoli di contatto con la Grecia e, più tardi, con Roma.

Noterete vasi di stile greco, posti proprio accanto a pezzi egizi tradizionali.

Gioielli, monete e oggetti funerari mostrano due culture che si fondono in una.

Ai tempi di Cleopatra, Alessandria era diventata una delle grandi città del mondo antico.

Fondeva la religione egizia con la filosofia, l'arte e la scienza greche.

È proprio questa fusione a riempire queste ultime teche.

Ogni sala di questo tratto ha il proprio soffitto dipinto a mano, unico.

È facile passare più tempo a guardare in alto che a osservare gli oggetti stessi.

Tutta quest'ala sembra più un palazzo che un museo, ed è esattamente ciò che era.

Ricordate, questa parte del Louvre faceva originariamente parte della residenza reale.

Quella grandiosità regale è ancora ben visibile in ogni dettaglio.

È un finale elegante e sontuoso per cinquemila anni di storia egizia.

Passiamo ora alla sala successiva.

La nostra prossima tappa è una splendida sala circolare, quasi come una cappella privata.

Il solo soffitto merita una sosta, riccamente dipinto da un'estremità all'altra.

Quella porta a sinistra conduce alla Galerie d'Apollon, una delle sale più fastose del palazzo.

Un tempo esponeva i Gioielli della Corona di Francia, scintillanti dietro un vetro rinforzato.

In questo momento, però, è completamente chiusa, sbarrata ai visitatori.

Nell'ottobre del 2025, dei ladri vi si introdussero e rubarono diversi gioielli reali di valore inestimabile.

Da allora la galleria è rimasta chiusa, ancora sotto indagine.

Proseguiamo verso la sala successiva.

Usciamo ora da quella sala circolare, verso uno spazio ancora più spettacolare.

Ed eccola, una delle statue più famose al mondo.

È la Vittoria alata di Samotracia, scolpita intorno al 190 a.C.

Rappresenta Nike, la dea greca della vittoria, nell'atto di posarsi sulla prua di una nave.

Il diplomatico francese Charles Champoiseau la scoprì nel 1863, su un'isola greca.

Arrivò a pezzi, oltre cento frammenti, priva della testa e di entrambe le braccia.

Scolpita in marmo pregiato, il suo panneggio sembra ondeggiare al vento.

Si erge proprio qui, in cima a questa scalinata, dal 1884.

Ci dirigiamo ora verso i dipinti italiani, a partire da questa sala più piccola.

Questa galleria segna l'inizio della collezione italiana, una delle più ricche al mondo.

Da qui si dispiegano secoli di arte italiana, che conducono fino alla Gioconda.

La collezione comincia con i primi maestri del Rinascimento italiano.

Questi artisti furono tra i primi a rompere con l'arte religiosa medievale, piatta e rigida.

Introdussero la profondità, la prospettiva e una vera emozione umana nella pittura.

Proseguiamo nella sala successiva.

Questa sala si chiama Salon Carré, e ha una storia straordinaria tutta sua.

Diede infatti il nome alla parola «Salon», oggi usata ovunque per le mostre d'arte.

A partire dal Settecento, gli artisti francesi vi esponevano le loro opere ogni anno.

I dipinti coprivano allora queste pareti dal pavimento al soffitto, stipati l'uno accanto all'altro.

Nel 1810, Napoleone sposò persino Maria Luisa d'Austria proprio in questa sala.

Quello splendido soffitto blu e oro risale a una ristrutturazione degli anni Cinquanta dell'Ottocento.

Celebra celebri artisti francesi, accanto a simboli del commercio e dell'industria.

Oggi la sala ospita dipinti italiani del Trecento e del Quattrocento.

Questi primi maestri sono spesso chiamati i Primitivi italiani.

Cercate nomi come Giotto, Beato Angelico e Paolo Uccello.

Ora, entriamo nella lunga galleria davanti a noi.

Questa è la Grande Galerie, una delle sale più lunghe di tutto il Louvre.

Si estende per centinaia di metri, costruita alla fine del Cinquecento.

Un tempo collegava il Louvre direttamente al palazzo delle Tuileries, distrutto da tempo.

Napoleone progettò un tempo di riempirla interamente di dipinti presi in tutta Europa.

Molti furono restituiti dopo la sua sconfitta, ma la galleria mantenne comunque la sua funzione.

Oggi ospita dipinti italiani dal Cinquecento al Seicento.

È il cuore del Rinascimento, e l'inizio del Barocco.

Qui i pittori spinsero il colore, la luce e il realismo più lontano che mai.

Alcune di queste opere furono acquistate, altre prese durante le campagne italiane di Napoleone.

Questo solo corridoio potrebbe richiedere ore, dipinto dopo dipinto.

Ogni grande scuola dell'arte italiana è rappresentata da qualche parte lungo questo corridoio.

È facile perdersi nell'immensità dell'insieme.

E proprio davanti, ci attende il dipinto più famoso al mondo.

Andiamo a conoscere la Gioconda.

Entriamo nella sala, ed eccola lì, ad attenderci in fondo.

Le andremo vicinissimo tra un istante.

Ma prima, un rapido sguardo agli straordinari dipinti che la circondano.

Quell'enorme tela di fronte a lei sono le Nozze di Cana, di Veronese.

Con quasi settanta metri quadrati, è il dipinto più grande di tutto il Louvre.

Raffigura un fastoso banchetto nuziale veneziano, gremito di circa centotrenta figure.

Le truppe di Napoleone la riportarono da Venezia nel 1797.

Ed eccola di nuovo, lontana, dietro la folla e il vetro.

Questa è la Gioconda, dipinta da Leonardo da Vinci a partire dal 1503 circa.

Si ritiene che sia Lisa Gherardini, moglie di un mercante di seta fiorentino.

Leonardo usò lo sfumato, una tecnica che fonde i toni senza alcun contorno netto.

Nel 1911, un operaio italiano la rubò proprio da questa parete, e sparì per due anni.

Quel solo furto contribuì a renderla il dipinto più famoso del pianeta.

Lasciamo ora la fila, ma c'è ancora molto da vedere qui.

Questa sola sala ospita alcuni dei più grandi dipinti veneziani al mondo.

Tiziano, Tintoretto e Veronese hanno tutti capolavori appesi a queste pareti.

È ora di passare alla sala successiva.

I dipinti coprono quasi ogni centimetro di parete in questa sala quadrata.

Alzate lo sguardo: il soffitto è decorato tanto riccamente quanto le pareti.

Tutta questa zona fu ristrutturata sotto Napoleone III, negli anni Cinquanta e Sessanta dell'Ottocento.

E ora, entriamo in una sala colma di alcuni dei dipinti più iconici di Francia.

Questo raffigura Napoleone in visita al campo di battaglia di Eylau, nella neve.

Dipinto da Antoine-Jean Gros, lo mostra mentre conforta i soldati feriti dopo il combattimento.

Il prossimo, sempre di Gros, raffigura Napoleone a Giaffa.

Sta toccando un appestato, gesto che, si dice, calmava i timori delle sue stesse truppe.

Ed ecco uno dei dipinti più drammatici di tutto il Louvre.

È La zattera della Medusa, dipinta da Théodore Géricault nel 1819.

Raffigura i sopravvissuti di un naufragio reale, alla deriva per giorni dopo l'affondamento della nave.

Delle oltre cento persone su quella zattera, solo una quindicina sopravvisse fino ai soccorsi.

Il dipinto scandalizzò il pubblico dell'epoca, ispirato a una tragedia così recente.

Ed ecco Marianne in persona, il simbolo della Repubblica francese.

È La Libertà che guida il popolo, dipinta da Eugène Delacroix nel 1830.

Commemora una vera insurrezione contro il re, proprio quello stesso anno.

Marianne porta la bandiera francese, guidando i cittadini oltre una barricata caduta.

Questa sola sala racchiude alcune delle immagini più riconoscibili dell'arte francese.

Ridiscendiamo ora.

Lasciamo questa galleria, diretti verso il piano terra.

Giù ci attende una grande galleria di sculture.

Proseguiamo.

Entriamo ora nella Galleria Michelangelo, una delle sale più suggestive del Louvre.

Ed ecco che si apre, un pavimento a scacchi bianchi e neri che si estende in lontananza.

Questa galleria prende il nome dalle primissime sculture che si vedono entrando.

Due figure in marmo dello stesso Michelangelo, note come gli Schiavi.

Le scolpì tra il 1513 e il 1515, per la tomba di papa Giulio II.

Quel progetto di tomba fu infine abbandonato, e le statue non trovarono mai la loro collocazione.

Michelangelo le donò poi a un amico, che le passò al re Francesco I.

Da allora sono in Francia, opere del maestro di eccezionale rarità fuori dall'Italia.

Più avanti, quella figura di bronzo sembra volare, sfiorando appena il piedistallo.

È il Mercurio, dello scultore noto come Giambologna.

Questa galleria fu in realtà costruita negli anni Cinquanta dell'Ottocento, sotto Napoleone III.

Un tempo fungeva da ingresso monumentale alle camere legislative del piano superiore.

Oggi ripercorre tre secoli di scultura italiana, dal Cinquecento all'Ottocento.

Proseguiamo verso l'uscita.

Questo tratto successivo è più tranquillo, un lungo corridoio con molto meno in esposizione.

Non ogni parte del Louvre è colma di capolavori, e va bene anche così.

Alcune di queste gallerie di raccordo esistono semplicemente per collegare un'ala all'altra.

È un buon momento per rendersi conto dell'immensità di questo palazzo.

Ricordate, il Louvre si estende per chilometri, ben più di quanto una sola visita possa abbracciare.

Anche a passo svelto, ci vorrebbero ore solo per attraversare ogni sala una volta.

Questo solo corridoio dà l'idea di quanto sia davvero immenso l'edificio.

Edificato nel corso dei secoli, ala dopo ala, da decine di re e imperatori diversi.

E proprio davanti, la scala ci attende di nuovo.

È ora di risalire verso la Vittoria alata.

Risaliamo, con la Vittoria alata che ci attende di nuovo in cima.

Da questa angolazione, appare potente quanto la prima volta.

Questa volta, però, ci dirigiamo verso un luogo nuovo.

Proprio accanto a questo pianerottolo c'è una sala che non abbiamo ancora esplorato.

Si chiama sala Daru, e ospita alcuni dei dipinti più grandi di Francia.

È qui che la pittura di storia francese raggiunge davvero il suo apice.

Il pittore di corte di Napoleone in persona, Jacques-Louis David, domina queste pareti.

David non era solo un artista, fu profondamente coinvolto nella stessa Rivoluzione francese.

Votò persino a favore dell'esecuzione del re Luigi XVI nel 1793.

Anni dopo, divenne il pittore prediletto di Napoleone, narrandone l'ascesa al potere.

Entriamo a vedere la sua opera da vicino.

Questa sola sala potrebbe essere un museo a sé.

Questo è Le Sabine, dipinto da David nel 1799.

Raffigura donne che si gettano tra due eserciti in guerra, implorando la pace.

David lo dipinse riflettendo sulla stessa violenta rivoluzione della Francia.

Ed ecco quello che è forse il dipinto più celebre che David abbia mai realizzato.

È l'Incoronazione di Napoleone, del dicembre 1804.

La tela è enorme, quasi dieci metri di larghezza e sei di altezza.

Napoleone si incoronò imperatore da sé, poi incoronò la moglie Giuseppina come imperatrice.

David vi incluse oltre cento persone reali, tutte figure riconoscibili dell'epoca.

Pare che Napoleone amasse questo dipinto, dicendo che avrebbe potuto entrare dritto nella scena.

Questo raffigura Leonida alle Termopili, un altro capolavoro di David.

Rappresenta il re spartano mentre prepara i suoi trecento uomini a una morte certa.

Scelsero di restare e combattere, dando al resto della Grecia il tempo di prepararsi.

David lavorò a questo dipinto a più riprese per oltre un decennio.

Ora, l'altro lato della sala.

Questa parete trasmette un'atmosfera del tutto diversa, più romantica, più mitologica.

Qui i pittori esplorarono l'amore, il sonno e il mito, anziché la politica e la guerra.

Quella figura alata che si avvicina all'uomo addormentato è Zefiro, il dio del vento.

È una scena dal mito di Endimione, a cui furono concessi il sonno e la giovinezza eterni.

Tutta questa parete, fino al lucernario, è ricoperta di dipinti.

È uno stile di allestimento diffuso nell'Ottocento, con le opere impilate una accanto all'altra.

Ognuno di essi potrebbe essere il pezzo forte di un museo più piccolo.

Questa sala riassume da sola un'intera epoca della pittura francese.

E con questo, proseguiamo.

Riscendiamo ora le scale, verso le antichità greche e romane.

Questo livello inferiore ospita alcune delle sculture più antiche e famose del museo.

Ci stiamo avvicinando a una delle statue più visitate di tutto il Louvre.

Ma prima, alcune sale straordinarie si frappongono lungo il cammino.

Tutta quest'ala fu ricostruita sotto Napoleone III, negli anni Cinquanta dell'Ottocento.

Grandi rotonde e gallerie furono aggiunte appositamente per esporre la scultura antica.

Ed ecco la prima.

Questa è la Rotonda di Marte, e quel soffitto è splendido.

Cassettoni dorati salgono a spirale fino alla cupola sopra di noi.

Questa sala fu costruita apposta per dare alla scultura antica una cornice all'altezza.

Proseguiamo.

Da qui si dispiegano diverse altre gallerie, ciascuna diversa dalla precedente.

Tutta questa sezione ospita antichità greche, sala dopo sala.

Alcune sale si concentrano su un solo dio, altre su interi secoli di stile.

È facile perdere il senso del tempo passeggiando qui.

La scultura greca influenzò quasi tutto ciò che venne dopo, compresa Roma stessa.

I Romani ammiravano tanto l'arte greca da copiarla senza sosta per le proprie case.

Molte delle statue «romane» nei musei sono in realtà copie di originali greci perduti.

Senza di esse, non avremmo quasi idea di come apparissero molti capolavori greci.

Queste sole gallerie potrebbero richiedere un intero pomeriggio per essere viste come si deve.

E proprio davanti, qualcosa cattura subito lo sguardo.

Un'enorme vasca di marmo, scolpita a rilievo con un'intera processione.

Guardate da vicino: vedrete cavalieri e guerrieri scolpiti tutt'attorno al bordo.

Gli scultori antichi sapevano trasformare persino un oggetto funzionale come questo in un capolavoro.

Ci addentriamo ora più a fondo nella collezione.

Busti di marmo costeggiano queste teche, ritratti tanto di imperatori quanto di cittadini anonimi.

Il ritratto era qualcosa in cui i Romani eccellevano in modo particolare.

Prediligevano il realismo, rughe comprese, alla bellezza idealizzata.

Ed ecco che si apre un altro spazio suggestivo.

Una dea si erge, incorniciata all'interno della propria cupola.

Con elmo e armi, è probabilmente una raffigurazione di Minerva, dea della guerra e della saggezza.

Questi soffitti curvi a cassettoni erano un tratto prediletto di tutta quest'ala.

Da qui ci dirigiamo verso una delle statue più famose al mondo.

Richiama folle al Louvre da oltre due secoli.

A differenza della Vittoria alata, di lei sappiamo con esattezza dove fu ritrovata.

Un contadino la scoprì per caso, scavando in un campo su una piccola isola greca.

Quell'isola era Milo, nelle Cicladi, nel mar Egeo.

Era il 1820, e la notizia del ritrovamento si diffuse rapidamente in tutta Europa.

Un nobile francese la acquistò e la donò al re Luigi XVIII.

Il re la donò poi al Louvre, nel 1821.

Ed eccola.

Questa è la Venere di Milo, scolpita intorno al 100 a.C.

Rappresenta Afrodite, la dea greca dell'amore e della bellezza.

Le mancavano già entrambe le braccia quando fu ritrovata, e non sono mai state recuperate.

Alcuni storici pensano che un tempo reggesse una mela, in riferimento a un mito greco.

Altri credono che filasse la lana, o che tenesse uno scudo.

Ironia della sorte, quel mistero è parte di ciò che la rende così affascinante.

Un enigma perfetto e incompiuto, ammirato da oltre duecento anni.

Entriamo ora nella Sala delle Cariatidi, la sala più antica di tutto il Louvre.

Fu costruita già negli anni Quaranta del Cinquecento, sotto il re Francesco I.

La sala prende il nome da queste quattro statue che sorreggono la tribuna dei musici.

Si chiamano cariatidi, figure femminili usate al posto delle colonne.

Lo scultore Jean Goujon le scolpì nel 1550, ispirandosi direttamente all'architettura dell'antica Grecia.

Era in origine una sala da ballo reale, usata per ricevimenti e feste.

A partire dal 1692, accolse la collezione personale di scultura antica del re.

Oggi espone copie romane di celebri statue greche del periodo ellenistico.

Alzate lo sguardo: il soffitto a cassettoni è imponente quanto le sculture sottostanti.

Da quelle finestre si vede direttamente il Cour Carrée.

Questa sala ospitò persino la veglia funebre del re Enrico IV, nel 1610.

La compagnia teatrale di Molière vi si esibì per Luigi XIV, a partire dal 1658.

Standosene qui, ci si trova immersi in quasi cinquecento anni di storia ininterrotta.

È il luogo ideale per concludere una visita che abbraccia l'intera storia del Louvre.

Da fortezza medievale, a palazzo reale, al museo più visitato al mondo.

Milioni di persone attraversano queste stesse sale ogni anno.

Questa è l'ultima tappa all'interno delle collezioni vere e proprie.

Ci dirigiamo ora verso l'uscita di Sully.

Il Louvre ha tre uscite distinte, una per ogni ala: Sully, Denon e Richelieu.

Tutte e tre riconducono alla stessa hall sotterranea, sotto la Piramide.

Il museo conta oltre trecento sale distribuite su tre piani.

Delle sue centinaia di migliaia di oggetti, meno del dieci per cento è esposto in ogni momento.

Il resto resta nei depositi, o viaggia verso altri musei in prestito.

Questo percorso d'uscita fu progettato durante la ristrutturazione degli anni Ottanta, per semplificare l'orientamento.

Ogni visitatore, qualunque ala abbia esplorato, viene ricondotto a un unico punto centrale.

L'ala Sully stessa resta la parte più antica dell'edificio, risalente agli anni Quaranta del Cinquecento.

Tutto il resto fu aggiunto poco a poco, nel corso dei tre secoli successivi.

Napoleone III completò l'assetto che percorriamo oggi.

Ed ecco l'uscita, proprio davanti.

Attraversiamola.

Di nuovo sotto la Piramide di vetro, dove questa passeggiata è cominciata.

Ci volle circa un anno e mezzo per progettarla, e quasi due anni per costruirla, completata nel 1989.

Il presidente Mitterrand portò avanti il progetto nonostante le forti critiche dell'opinione pubblica.

Molti parigini erano contrari a collocare una moderna struttura di vetro in questo cortile storico.

Questo cortile si chiama Cour Napoléon, in onore dell'imperatore.

Oggi la Piramide è uno dei monumenti più riconoscibili di Parigi.

Dirigiamoci ora verso la vera uscita.

Più in basso attende una seconda piramide, gemella rovesciata di questa.

È sospesa a testa in giù, con la punta rivolta verso il pavimento sottostante.

Stesso architetto, I.M. Pei, stesso progetto complessivo degli anni Ottanta.

Per raggiungerla bisogna prima attraversare un corridoio sotterraneo.

Questo livello inferiore fu costruito insieme alla Piramide stessa.

Dei negozi costeggiano entrambi i lati di questo passaggio.

In realtà appartengono al museo, e vi si accede solo dopo aver superato la sicurezza.

Vendono riproduzioni ufficiali, libri e articoli con il marchio del museo.

Questo tratto è piuttosto tranquillo rispetto al resto del museo.

Un contrasto pratico e moderno con tutto ciò che c'è di sopra.

Ci siamo quasi.

Percorriamo ancora il corridoio dei negozi.

Collega la hall sotterranea del museo al Carrousel du Louvre.

Il Carrousel stesso aprì nel 1993, quattro anni dopo la Piramide esterna.

A differenza di questo corridoio, il Carrousel è aperto al pubblico, senza bisogno di biglietto.

È inoltre collegato direttamente alla stazione della metro Palais-Royal.

Quasi ogni visitatore passa di qui a un certo punto della sua visita.

Ed eccola, proprio davanti.

La piramide rovesciata, sospesa sopra uno spiazzo aperto.

Avviciniamoci per guardarla meglio.

La sua punta sfiora quasi una piccola piramide di pietra posta appena sotto.

C'è chi dice che abbia ispirato il finale del Codice da Vinci, il cui romanzo e il cui film sono ambientati qui.

Ecco l'intera passeggiata, dalla Piramide di vetro all'esterno a questa, rovesciata, di sotto.

Egitto, Mesopotamia, Grecia, Roma, secoli di storia di Francia, tutto in un solo edificio.

Non abbiamo potuto mostrare tutto ciò che il Louvre offre, ma vi abbiamo portato in alcuni dei suoi angoli migliori.

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