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El estilo cartoon

Estamos listos para comenzar
nuestro proyecto final.

Es una animación estilo cartoon
en Blender.

Hay una problemática común
en animadores de nivel intermedio.

Yo lo experimenté en carne propia
y lo he visto en otras personas.

Es ese punto del limbo
donde estás más allá de lo principiante,

pero aún no tienes un proceso propio
para animar con calidad profesional.

En este punto, es probable
que necesites desarrollar

un método propio
que te permita trabajar de mejor manera.

Te quiero compartir todas las técnicas,
los métodos y procesos

que a mí me han servido
y que he ido aprendiendo

para animar de una manera más divertida,
creativa, rápida, eficiente y limpia.

Mi propósito es ayudarte
a desarrollar tus capacidades

y que todo el proceso de animar
no sea tan rígido o tedioso,

sino que te resulte creativo.

Que no te cueste trabajo animar
en diferentes etapas del proceso,

sino que seas libre
para expresar tus ideas.

Te compartiré los ases de este curso
para que puedas seguir las lecciones,

pero te recomiendo
que tú cuentes tu historia.

Puedes buscar en librerías en internet
e incorporar elementos diferentes

para que tus propias ideas
narren la historia que quieres.

En esta lección hablaremos
sobre los 12 principios

y diferentes estilos de animación

para entender los conceptos clave
que marcan el estilo cartoon.

Acompáñame a verlos.

Existen muchas técnicas
y estilos de animación.

En este curso hablaremos

de la animación digital 3D
estilo cartoon.

Cabe decir que el estilo cartoon

cuenta con un rango amplio
de variaciones.

A veces, este tipo de animación
se trabaja de forma más realista,

más apegado a los gestos,
movimientos y física de la vida real.

A veces, se trabaja

con una total exageración
de todos los elementos.

Si ya tienes una base,
aun sea muy básica,

referente a la animación,
has oído hablar de los 12 principios,

Son conceptos que nos ayudan
a crear la ilusión de vida,

movimiento, emoción
y realidad física a nuestra animación.

Estos principios son estirar,
encoger, anticipación, puesta en escena,

animar hacia adelante o pose a pose,
los desfases,

el ease-in y ease-out
para suavizar los movimientos,

arcos, acción secundaria,
la exageración,

dibujo sólido y appeal.

Estos principios aplican
a cualquier estilo y técnica,

pero según el rango
de lo cartoon que estemos haciendo

es donde daremos énfasis
a ciertos elementos.

A mi manera de ver, toda la animación
en realidad es algo cartoon

porque toma la realidad,
la hace caricatura y la estiliza.

Podemos jugar
con todos los 12 principios

según lo que queramos lograr,
pero hay que tener cuidado

con saber expresar con claridad
las ideas y las emociones.

Para que el personaje
transmita emociones con claridad,

hay que exagerar,

hay que crear contraste
entre las formas, poses y tiempos.

Para crear poses,

te recomiendo estudiar algo de dibujo,
dibujo al natural,

hay muchos recursos en internet,
y lo que se llama dibujo de gesto.

En esta disciplina te enseñan técnicas
para tomar la realidad

y crear una versión más simple,
con más fuerza y más energía.

Todo eso lo puedes aplicar
para que tus poses transmitan mejor.

Dependiendo del rango de lo cartoon,

podemos llamar cartoony
o snappy si es muy exagerado.

Se juega mucho con el contraste,
con los movimientos rápidos.

Se usan recursos como los barridos,
que es cuando el cuerpo del personaje

se deforma a través
de una trayectoria curva.

Cada producción y proyecto
maneja su propio estilo.

Llegamos a lo que yo considero
que es un punto estándar.

Es una versión de animación
algo realista,

con movimientos con arcos muy marcados,

y sin tanta distorsión en los personajes
ni en sus tiempos,

con excepción de ciertos momentos
de mayor intensidad

donde sí se usa más la exageración.

Yo te recomendaría que primero
aprendas a dominar ese nivel estándar

y después empieces a experimentar
y probar cosas más cartoony

para que puedas lograr
cualquier estilo y proyecto.

A través de las lecciones,
te compartiré cosas que aprendí

para animar de una forma
más creativa y libre

y que podamos dejar de sufrir
el proceso de animar

y dar rienda suelta
a nuestra creatividad

y dar vida a personajes
fantásticos y divertidos.

Analicemos algunos elementos
que comentamos.

En esta toma,
veamos las poses naturales.

No hay nada extremo,
pero está algo estilizado.

Por ejemplo, vemos que este personaje

tiene una línea de acción
en este sentido

y el otro, contrario.

Ya en eso estás estilizando la realidad,

buscando una composición armónica
que fluya.

Este personaje,
observa su línea de acción.

Todo su cuerpo trabaja como una unidad,
apoyando esa misma línea de acción.

Las expresiones
están moderadamente exageradas.

Él está con una actitud feliz,
sonriendo un poco pícaramente,

y ve como todo su rostro
apoya esa expresión.

Estamos exagerando la realidad.

Ella está preocupada,
un poco harta y desesperada,

y observa como su gesto
apoya esa emoción.

Hasta las orejas
también están cabizbajas.

Todo el personaje trabaja en conjunto
para expresar una emoción.

Eso es lo que tenemos que transmitir.

A la vez se observa contraste nuevamente

en las emociones
muy claramente expresadas

de estos personajes.

Mientras avanzamos en la toma,

observa como él se queda
prácticamente quieto, igual él,

y ella nos sigue mostrando su emoción,
nuevamente exagerando, no desbordándose,

pero sí nos deja ver muy claramente
lo que está sintiendo.

A pesar de todos
los elementos exagerados,

todavía podemos sentir
que hay mucha realidad

en los gestos, en las poses,
en los movimientos.

Hay detalles muy sutiles, muy orgánicos,
que son naturales en las personas.

Aunque mantenemos el estilo moderado,
de repente, en pequeños puntos intensos,

cambias el ritmo
y rompes con todo eso y exageras.

Aquí exageramos con velocidad,
un movimiento rápido.

Aquí exageramos con las formas.

Primero, comprime.

En la vida real
podemos comprimir nuestro rostro.

Aquí está llevado al extremo.

Y después estira mucho.

De nuevo el elemento de contraste
para expresar con fuerza las emociones.

Aquí está la desesperación.

Esta pose forma un arco en este sentido.

Y en un movimiento muy rápido,
cambia totalmente el arco.

Jugar con todos esos cambios
en las formas y en la velocidad

nos da la sensación cada vez más cartoon
y nos separa de la realidad.

Ahora veamos algo
que es mucho más extremo,

que es lo cartoon
llevado a la exageración total.

Aquí está expresando
una emoción el personaje,

de descontento, de enfado,

pero observa como esa emoción
lleva a exagerar la postura del cuerpo.

Está sumido totalmente,
encorvado, está hecho menos

y visualmente lo está transmitiendo.

Los cambios son muy abruptos
de un cuadro a otro.

Hay cambios totales en las formas.

También hay líneas de acción
de la misma manera,

apoyando un centro visual
de mayor atención.

Son los mismos elementos
que vimos en la otra toma

pero llevados más al extremo.

Observa el cambio de emoción.

Sigue transmitiendo
y es tan fuerte la exageración

que las manos se contorsionan.

Nos da una total sensación de tensión
jugar con esas formas en el cuerpo.

La energía la lleva
una parte del cuerpo,

en este caso la cara
y mayormente la boca.

Y es tanta la energía
que jala todo el cuerpo,

todo lo demás reacciona.

En la vida real, una parte del cuerpo

es la que tendrá la fuerza
que conducirá a nuestros movimientos.

Pero aquí está muy exagerado
y los cambios son muy rápidos.

De un cuadro a otro,
en unos cuantos cuadros

llega a una posición
y todo el cuerpo reacciona con inercia.

La inercia es una condición física real,
pero aquí lo estamos estilizando.

En cualquier tipo de animación,
usar arcos es importante,

ya que en la vida real
nos movemos en arcos también,

pero aquí los arcos están muy marcados,
totalmente exagerados.

Aquí está el uso de los smears.

El smear nos ayuda a transicionar
de una posición a otra

y se toma en cuenta la punta del objeto,
que es la que se empieza a estirar.

Tenemos aquí un arrastre.

En esta forma elíptica

es en la que todo el brazo
se está moviendo

y aquí lo que importa
es esa trayectoria, el círculo,

no tanto la anatomía del personaje.

Forzamos las partes del cuerpo
para que sigan esa trayectoria.

Noten el contraste.

Es fundamental para crear emoción,
para mostrar estados de ánimo diferentes

y para darle movilidad a la animación.

El contraste en el tamaño, alto y bajo.

El contraste en el gesto.

En la velocidad de los movimientos,
muy rápido y muy lento.

Y para que la emoción y el pensamiento
sean más claros y se transmitan mejor,

uno de los personajes
es el que lleva mayor acción

y el otro se mantiene
prácticamente quieto.

Eso es muy importante

cuando tienes que animar
dos o más personajes en escena,

buscar los puntos de atención
y transmitirlos de uno a otro.

Que no se muevan a la misma intensidad,
porque eso nos puede distraer

y no captamos la idea de la toma
o de la emoción de los personajes.

Observa nuevamente
cómo cambia de posición.

El traslado prácticamente no existe.

De estar aquí a una posición frontal,
no hay un traslado normal natural.

Lo que existe solamente
es una trayectoria en arco

y el cuerpo forzándose
a seguir esa trayectoria.

Usando un smear,
se barre hasta la otra posición

y los movimientos que siguen
son la inercia

de las partes del cuerpo y de la ropa

que poco a poco
llegan a su estado de reposo.

Aun con toda esta exageración,
los 12 principios siguen presentes.

Estamos tratando de crear algo creíble,
que tenga peso,

que se comprima, que se estire,
que anticipe, que tenga desfases,

que tenga inercia,
que tenga cierto ritmo,

pero estamos estilizando
y forzando la realidad.

Estos elementos hay que considerarlos

mientras estamos animando
con un estilo cartoon.

Conociendo ya estos conceptos,

trabajaremos la planeación
de nuestro proyecto final

a continuación.